ALLA SCOPERTA DEI SEGRETI DI FANTASIA

Si noti la dinamicità dell’animazione nel momento in cui Topolino governa il potere conferitogli dal copricapo conico di mago, ma ne perde subito il controllo causando guai all’apparenza irrisolvibili.
Come un maestro d’orchestra, Topolino dirige il moto dei pianeti, le stelle cadenti e i movimenti ondosi, cosi come le scope impazzite con i secchi d’acqua che il poveretto non saprà più gestire.
Fino all’arrivo del proprietario del cappello magico, il mago Yen Sid, che trasforma il caos in una inaspettata pace, sia a livello sonoro sia di animazione. In contrasto con il ritmo e dinamicità peculiari di questo gioiello incastonato in mezzo al film.

Con il brano La sagra della primavera di Igor Stravinsky, gli artisti della Disney non si limitano a rappresentare un semplice balletto tribale, il loro estro li conduce oltre… Nel vero senso del termine: oltre le nuvole e l’atmosfera terrestre.
E ci porta anche indietro nel tempo, quando nel sistema solare stava per crearsi un piccolo globo, il pianeta Terra.

Gli animatori per la prima volta ebbero a che fare con un tipo di animazione basato sullo studio realistico e scientifico dell’evoluzione del pianeta Terra, con i suoi sconvolgimenti iniziali (terremoti, eruzioni vulcaniche, maremoti). Per passare alla comparsa di organismi pluricellulari nei fondali marini, che nel susseguirsi delle ere lasciano il posto ai dinosauri.

La sfida degli animatori si fa sempre più intensa. Interessante vedere come le impressioni derivate dai musei di storia naturale vengano ridisegnate per farle rivivere nel modo più realistico possibile e renderci spettatori di ciò che accadde miliardi di anni fa.

Impressionante la lotta tra il tirannosauro e lo stegosauro, che muore battendo la coda in sincronia con il coro degli ottoni e dei tamburi. La fine in dissolvenza, sia scenica sia musicale, ci avverte che, finita l’era dei dinosauri, inizierà una nuova fase della vita nel minuscolo pianeta appena nato.

Come in tutte le opere teatrali e musicali, c’è un intervallo tra le due parti di Fantasia. Rappresentato in maniera davvero originale, perché vengono mostrati i musicisti intenti a rilassarsi qualche minuto prima di ricominciare a suonare.

Ed eccoci all’episodio più colorato e idilliaco di Fantasia. La Sesta sinfonia di Beethoven, detta anche La pastorale, perché dedicato alla natura e la campagna.
Disney, come al solito, diede una sua interpretazione particolare mettendo in scena il monte Olimpo abitato da creature mitiche quali centauri, unicorni dalle enormi ali, satiri e amorini immersi in nuvole dai colori sgargianti, talvolta mai visti prima.
L’animatore Ray Huffine disse che Disney gli diede la possibilità di utilizzare qualsiasi colore la creatività gli suggerisse, anche un colore mai creato prima. Così una mattina, mentre faceva colazione, Huffine vide un panino con sopra della marmellata di more preparata dalla moglie, ed ebbe un’intuizione particolare. Ecco il colore che avranno le foglie degli alberi “color marmellata di more”.

Il compositore del penultimo episodio, che accompagna un insolito balletto classico, è Amilcare Ponchielli con la sua Danza delle ore.
Nel lento scorrere delle ore, sin dalle prime luci dell’alba, entrano in scena degli aggraziati struzzi con scarpette da ballo pronti a salutare il giorno appena iniziato.

Sparendo poi dietro le quinte per dare spazio, ma tanto spazio, ad altrettanto “leggiadri” ippopotami vestiti da una nuvola di tutù velato, che ballano sulle note delle ore pomeridiane.
Il lavoro degli animatori fu talmente abile e scrupoloso che ogni volta che osserviamo queste enormi creature se ne percepisce l’incredibile assenza di peso, tanto sono agili.

Giunge la sera e alla luce del tramonto compaiono i cugini elefanti, che saltellando elegantemente da un punto all’altro del palcoscenico vengono improvvisamente assaliti da creature misteriose: le creature della notte, i ghignanti alligatori.
Ora l’animazione sorprende gli spettatori, che non si aspettano di vedere questi ballerini animaleschi danzare tutti insieme, in un rincorrersi tra pazze coreografie così ben congegnate da sembrare normali. Gli alligatori sollevano gli ippopotami. Gli struzzi portano in groppa gli alligatori e gli elefanti fanno roteare questi ultimi come se fossero leggeri pupazzi di stoffa.
Stravaganze della musica e, di conseguenza, dell’animazione, in un crescendo che stupisce il pubblico fino alla chiusura fragorosa di tamburi e di due porte che sbattono in maniera scomposta.

L’ultimo episodio di Fantasia è stilisticamente associato a due brani in netta opposizione: Una notte sul Monte Calvo di Modest Mussorgski e l’Ave Maria di Franz Schubert.
Per creare questo pezzo della storia dell’animazione, i tecnici di Disney misero a punto uno strumento in grado di realizzare scene tridimensionali, la cosiddetta multiplane camera.
La cinepresa sovrasta i disegni (i rodovetri) disposti uno sopra l’altro, su cui sono dipinti i fondali. Ognuno di essi ha un ruolo ben preciso poiché deve integrarsi a livello scenografico in modo da dare, a fine ripresa, l’effetto tridimensionale e quindi l’illusione della profondità a chi guarda.

Una notte sul Monte Calvo descrive la notte del sabba dei demoni. Chi muove le fila di questa notte è lo spaventoso Lucifero, animato da Bill Tytla, noto per aver lavorato su Topolino in diversi corti.
Tytla fece molti studi sulla anatomia umana, sulle luci e le ombre, su sculture del passato, per ottenere un personaggio di Lucifero che desse l’impressione di una reale consistenza, presenza fisica terrificante.

Siamo lontani dalle allegre avventure di Topolino. Qui le emozioni sono intense, e forse il tema è piuttosto forte per essere fruito dai bambini a cui comunque il film è sostanzialmente destinato.
Il tema principale sia scenico sia musicale ha i toni di un film dell’orrore. Inizialmente Tytla voleva fare riferimento alla figura dell’attore Bela Lugosi, interprete del film di Dracula degli anni trenta, per rendere il volto di Lucifero più realistico possible. Poi, dopo una prova con l’attore, cambiò idea.
Le pennellate infuocate di movimenti e danze convulse sulle note macabre di Mussorgski, su uno sfondo dai toni cimiteriali, formano un quadro in movimento. Un’opera che sconvolge emotivamente, ma che come tutte le cose ha una conclusione e quindi si dissolve alle prime luci dell’alba.
I rintocchi di una campana stonata del campanile di una chiesa, ripetuti da un’eco, suscita gli ultimi brividi e apre le porte a uno scenario mistico, di raccoglimento in preghiera.

Gli animatori adesso hanno un compito opposto: creare l’atmosfera rarefatta di un momento di pura religiosità in cui la preghiera è protagonista. Questo viene ottenuto magistralmente dall’Ave Maria di Schubert.
E qui che si può ammirare il risultato della multiplane camera.
Un susseguirsi di immagini tridimensionali danno l’impressione allo spettatore di entrare in un giardino dalle tonalità azzurrognole, dove l’alba rende i colori indistinguibili poiché una leggera foschia ricopre tutto.

La scena commovente ci invita a riflettere sul fatto che le notti demoniache hanno fine e l’alba di un nuovo giorno restituisce luce al mondo ed elevazione agli spiriti.
In questo modo gli animatori concludono la scena finale enfatizzandola, anche grazie all’apporto musicale, con tonalità di colore ed effetti speciali che ricordano i raggi del sole.
La vita dunque vince sulla morte, ci spinge metaforicamente verso l’alto, oltre le nubi, che i disegnatori riproducono con una drammaticità toccante.

Un simpatico e arzillo Frank Thomas, uno degli Nine old man (“i nove vecchi”) degli studios, ha raccontato che durante la ripresa dell’ultima scena in multiplane camera ci fu un terremoto: i rodovedri “ballarono” e i personaggi schizzavano da tutte la parti, e quindi si dovette ricominciare tutto daccapo… Misero così i rodovetri al loro posto, uno dietro l’altro, e la nuova ripresa riuscì perfettamente.
La pellicola fu imbustata e spedita, pronta per essere proiettata.

In occasione della prima, il 13 novembre 1940 al Broadway Theatre di New York, Walt Disney si premurò affinché l’impianto stereo chiamato Fantasound, a cui gli operai lavorarono per circa una settimana, offrisse l’ascolto avvolgente creato apposta per il film.